INTRODUCCIÓN

El Romanticismo es un periodo de la Historia de la Música y del Arte en general que comprende más o menos el siglo XIX, si bien los límites de su duración no siempre están claros. Se suele decir que el Romanticismo comprende aproximadamente desde principios del siglo XIX hasta principios del siglo XX (1914).

Esta es una época que se caracteriza por los sentimientos y la sensibilidad desbordados. Es decir, que el sentimiento, la fantasía y las emociones son más importantes que la razón. Hay a menudo un gran interés por la imaginación y por los ambientes misteriosos y lúgubres. Así lo reflejan la obra de grandes escritores y pintores de la época.

Desde el punto de vista político, el Romanticismo es un periodo clave en la historia. Muchos de los países modernos se formaron en esta época, como es el caso de Italia y de Alemania (que hasta el siglo XVIII no existían como países, sino que eran multitud de pequeños estados), y de la mayoría de los países Sudamericanos, que se independizaron del Imperio Español.

También desde el punto de vista social hubo importantes avances en este siglo. Se consiguen numerosos derechos que antes no existían para los trabajadores, para las mujeres y para los niños.

La ciencia en el siglo XIX, sobre todo en la segunda mitad, pone las bases de la ciencia moderna. En física, en biología y en medicina se producen importantes descubrimientos que mejoran notablemente la calidad de vida de las personas. Y a partir de 1880 se produce lo que se llamó la Segunda Revolución Industrial, con grandes mejoras en la industria y en las comunicaciones.

Respecto a la música, cada periodo de la historia ha tenido su importancia desde el punto de vista musical, pero sin duda el siglo XIX es el más importante de todos los periodos, pues la gente en esa época pensaba que la música era la más importante de las artes. Casi todo el mundo hablaba de música, acudía a los teatros si se lo podía permitir, los periódicos escribían de música cada día, e incluso se hacía música en muchas casas. La música era, en definitiva, la más romántica de las artes.

Como prueba de la importancia que alcanzó la música en esta época, está el hecho de que en las principales ciudades europeas y americanas se construyeron teatros para la ópera, y se fundaron algunas de las orquestas más antiguas que existen hoy en día: en Viena, en París, en Madrid, en Barcelona, en Buenos Aires…

LA MÚSICA ROMÁNTICA

La música romántica tiene unas características propias que la distinguen de la música de otros periodos de la historia. Podemos resumirlas en los tres siguientes puntos:

· Esta música considera más importante la expresión de las emociones que la forma de la música misma.

· Las melodías románticas son apasionadas, y las armonías son ricas y variadas.

· A lo largo del siglo XIX la orquesta crece mucho, hasta llegar a la gran orquesta posromántica.

Vemos así que las emociones son muy importantes en la música; lo que persigue un compositor con su música es que el espectador se emocione con ella. Esto es lo principal en una obra musical, más que la forma que pueda tener la música, su equilibrio, o cualquier otra cualidad. Y esa expresión lo consigue mediante melodías muy apasionadas, que llegan directamente al corazón, y unas armonías y una orquestación muy variada y colorista, llena de contrastes.

Como sucede con todo periodo de la historia extenso, éste se suele dividir a su vez en varios subperiodos, habitualmente en tres. Así, el Romanticismo se puede dividir en las siguientes etapas:

· Primer romanticismo: desde comienzos del siglo XIX hasta mediados del siglo.

· Segundo romanticismo: desde mediados del siglo XIX hasta la década de 1880.

· Posromanticismo: desde la década de 1880 hasta principios del siglo XX.

Son muchos los compositores importantes del Romanticismo, cuya música forma parte hoy día de los programas de concierto de cualquier orquesta del mundo. Algunos de los más importantes (aunque no todos) serían los siguientes:

· Primer romanticismo: las últimas obras de Beethoven, Schubert, Mendelssohn, Schumann, Chopin.

· Segundo romanticismo: Liszt, Wagner, Brahms, Verdi.

· Posromanticismo: Mahler, Richard Strauss, Bruckner.

LA MÚSICA PARA PIANO

El piano es el gran instrumento inventado en el Romanticismo, instrumento potente y de gran expresividad, idóneo por tanto para la expresión de los sentimientos románticos. En el siglo XVIII (en la época de Mozart) lo que existía era el forte-piano, un instrumento parecido, pero no es el piano romántico, que es el piano moderno que hoy día conocemos. Se inventaron dos tipos de piano: uno grande (de cola) para las salas de concierto, y otro de pared (o vertical) para las casas. Éste último ocupaba poco espacio, era como un mueble más en las casas burguesas.

La importancia del piano durante el siglo XIX fue impresionante. Prácticamente no había hogar de nivel social medio-alto donde no hubiera un piano, el cual tocaba algún miembro de la familia, y servía para amenizar las fiestas cantando canciones en familia o entre amigos. Cualquier muchacha de clase media y buena educación debía saber tocar el piano, por lo que muchos músicos se dedicaron a dar clases particulares a señoritas de la burguesía.

Como consecuencia del gran apogeo del piano, creció toda una industria alrededor de este instrumento. Se fabricaron pianos a millares, y se compusieron miles y miles de obras. Además de las obras extensas para concierto (como sonatas, conciertos para piano y orquesta, etc.), se compusieron multitud de pequeñas piezas para piano, que recibieron distintos nombres según su carácter o su funcionalidad: nocturno, estudio, balada, polonesa, mazurca, etc. Algunas de estas piezas servían para el estudio del instrumento, otras estaban basadas en alguna danza (mazurca, polonesa, polca), otras son más bien poéticas (nocturno, balada), etc.

Se puede decir que la práctica totalidad de los compositores del Romanticismo eran buenos pianistas, pero algunos de ellos fueron excepcionalmente buenos. Entre los mejores podemos citar al menos a tres: Frédéric Chopin, Robert Schumann y Franz Liszt. Chopin dedicó toda su vida exclusivamente al piano. Por su parte, Franz Liszt era el pianista más famoso y cotizado de su época. Era aclamado en todas las ciudades como un ídolo, y sus conciertos provocaban la admiración de todo aquel que lo escuchaba. Ganó muchísimo dinero y admiración como intérprete de piano, más que como compositor.

LA MÚSICA SINFÓNICA

Pero aparte del piano, lo más atractivo de la música del Romanticismo es la música sinfónica. Y es que el siglo XIX es el gran siglo de la orquesta. Desde principios de siglo hasta finales la orquesta crece muchísimo, llegando a haber grandes orquestas de más de cien músicos, con todo tipo de instrumentos de cuerda, viento y percusión. Los instrumentos de viento mejoran muchísimo su técnica y su calidad de sonido.

De esta manera, casi todos los grandes compositores de esta época compusieron música para orquesta, especialmente conciertos para un instrumento solista y orquesta, y sinfonías.

Se puede decir que la sinfonía se convirtió en la gran forma musical para orquesta, por lo que hubo grandes sinfonistas en este periodo. Algunos de los más importantes sinfonistas del Romanticismo fueron:

· Franz Schubert: 9 sinfonías.

· Félix Mendelssohn: 5 sinfonías.

· Robert Schumann: 4 sinfonías.

· Anton Bruckner: 9 sinfonías.

· Johannes Brahms: 4 sinfonías.

· Anton Dvorak: 9 sinfonías.

· Tchaikovsky: 6 sinfonías.

· Gustav Mahler: 9 sinfonías.

Durante el Romanticismo los compositores cultivaron prácticamente los mismos géneros musicales que habían compuesto los compositores clásicos, tanto en música de cámara, como en música sinfónica, y también en música vocal.

Sin embargo, uno de los principales inventos de este periodo sería la música programática. Ésta se puede definir como un tipo de música sinfónica que sigue un tema o programa literario, el cual inspira la obra. Las dos formas de música programática son: la sinfonía programática, y el poema sinfónico. Los primeros compositores en componer este tipo de música fueron Héctor Berlioz y Franz Liszt.

La sinfonía programática consistía en una sinfonía (con sus tres, cuatro o más movimientos), pero con ella se pretendía contar alguna historia o relato, sólo con los sonidos de la orquesta. Un ejemplo podría ser la sinfonía “Harold en Italia”, de Héctor Berlioz, donde la orquesta trata de describir todos los acontecimientos que el personaje, Harold, vive en su viaje por Italia, tal y como se relatan en el libro.

Por su parte, el poema sinfónico es una pieza en un solo movimiento, que suele durar entre 5 y 15 minutos, e igualmente trata de describir con los sonidos de la orquesta una historia o relato literario.

LA MÚSICA NACIONALISTA

El Romanticismo también supuso el apogeo del nacionalismo musical. Éste se puede definir como aquella música que busca la esencia nacional haciendo uso de la danza y la canción folclórica de un país o región.

Los países donde el nacionalismo se desarrolló con mayor fuerza fueron aquellos en los que hasta el siglo XIX no habían tenido una gran tradición musical internacional, como era el caso de Italia, Francia, o incluso Alemania desde el siglo XVIII. Por tanto, sería en Rusia, en Centroeuropa, en los países escandinavos, y también en España, donde surgirían los más importantes compositores nacionalistas del siglo XIX, los cuales utilizaron en sus obras elementos musicales propios de su folclore nacional.

Algunos de los más importantes compositores nacionalistas fueron:

· En Rusia: Glinka, Rimski-Korsakov y Mussorgsky.

· En Centroeuropa: Smetana y Anton Dvorak.

· En España: Enrique Granados e Isaac Albéniz.

EL LIED Y LA CANCIÓN ROMÁNTICA

En Alemania surgirá un nuevo género vocal romántico. Se trata del lied, que significa canción en alemán, pero generalmente hace referencia a la canción alemana del siglo XIX, la cual logra una íntima unión entre poesía y música. Suele ser compuesta para una voz acompañada de piano, aunque algunos lieder son para más de una voz. A finales del Romanticismo se compusieron lieder para voz y orquesta. Las formas que suele adoptar el lied son: estrófica, ternaria (A – B – A), o rondó (A – B – A – C – A).

A veces eran canciones sueltas sobre poemas aislados, pero en otras ocasiones estas canciones se publicaban en colecciones, donde todas las canciones de la colección tenían algún tema en común.

Prácticamente todos los compositores románticos alemanes compusieron lieder, pero entre los principales podemos citar a los siguientes, con alguno de sus ciclos de canciones más famosos:

· Franz Schubert (“La bella molinera”).

· Robert Schumann (“Amor de poeta”).

· Johannes Brahms.

· Hugo Wolf.

Franz Schubert se puede considerar el inventor de este género, pues compuso nada menos que más de 600 lieder. Utiliza el piano para crear figuraciones que tienen relación con elementos que describe el poema (como por ejemplo imitar el correr del agua o el girar de una rueda).

Después de Schubert será Robert Schumann el otro gran compositor de lieder, con más de 200, donde la música expresa con gran intensidad los sentimientos del poema. Su mujer Clara también era un buen músico, y compuso numerosos lieder.

Johannes Brahms y Hugo Wolf también cultivaron este género musical, y Gustav Mahler fue uno de los primeros en componer grandes lieder con acompañamiento de orquesta.

La enorme popularidad del lied traspasó las fronteras de Alemania, y en otros países se compusieron canciones con características propias. Así, en Francia se compusieron las mélodies.

En España se componían canciones que se acompañaban de piano o de guitarra. Había dos tipos de canción española: una de carácter popular (sobre todo andaluz), y otra de tipo internacional. El sevillano Manuel García es uno de los principales compositores de canciones españolas de este periodo.

LA ÓPERA ITALIANA

Durante el Romanticismo la ópera floreció en varios países de Europa, y en cada país la ópera tuvo características propias. Pero sin duda sería la ópera italiana la que más gustaba, la que más popularidad alcanzó, y no sólo en Italia, sino prácticamente en todo el mundo. Y es que la ópera italiana tenía unas características que la hacían más atractiva que otras óperas o que otros espectáculos, por eso gustaba tanto. Esas características de la ópera italiana del siglo XIX las podemos resumir en las siguientes:

· Melodías de gran belleza.

· Gran virtuosismo de la voz.

· Un importante protagonismo de los coros.

Ese gran éxito de la ópera italiana llevó a que los principales compositores de ópera fueran personas famosas y aclamadas en todo el mundo. Durante el primer Romanticismo podemos destacar sobre todo a tres compositores italianos. Sin duda el de más éxito, y no sólo en Italia, sería Rossini. Sus óperas llenaban los teatros, y el compositor era aclamado por el público en todas partes donde se representaban sus óperas. No todas sus óperas fueron igual de famosas, pero sí tuvo varias que fueron las favoritas del público. Y sin duda la de mayor éxito y la preferida por el público de todos los países sería su ópera El barbero de Sevilla. Gracias al gran éxito de sus óperas Rossini dejó de componer óperas a mitad de su vida, y se dedicó a vivir del dinero que le proporcionaban las óperas que había compuesto anteriormente, que eran aclamadas en todas partes.

Después de Rossini, otros dos compositores de ópera italiana de gran éxito fueron Donizetti y Bellini. Entre las muchas óperas famosas de Donizetti podemos mencionar a Don Pasquale. Bellini vivió poco tiempo (34 años) y compuso tan sólo diez óperas. Una de sus más famosas sería Norma.

En el segundo Romanticismo (también llamado Romanticismo pleno) destacó por encima de todos una gran figura de la ópera italiana: Giuseppe Verdi. Su éxito y su fama traspasaban el mundo de la música, pues llegó a ser una de las personas más queridas del pueblo italiano, quien lo aclamaba incluso para el mundo de la política (había quien quería que se presentara a presidente de la República Italiana). De las muchísimas óperas que Verdi compuso (pues vivió casi 90 años), varias de ellas fueron muy famosas en todo el mundo. Podemos mencionar, por ejemplo, a Nabuco, Rigoletto, La traviata y Aida.

A finales del siglo XIX se desarrolló en Italia un tipo de ópera con unas características distintivas. Se llamó el verismo, y podemos definirla como un tipo de ópera de finales del siglo XIX en la que se pretende exponer la vida real de su tiempo tal y como es. El principal compositor considerado del verismo es Giacomo Puccini, con óperas tan famosas como: Tosca, y Madame Butterfly.

LA ÓPERA EN OTROS PAÍSES EUROPEOS

En Alemania surgiría en este periodo una ópera con características propias y algo diferente a la ópera italiana. El compositor Carl Maria von Weber se considera el iniciador de la ópera romántica alemana en la primera mitad del siglo XIX. Su ópera más famosa es El cazador furtivo.

Sin embargo, el compositor alemán más importante de ópera es Richard Wagner, ya en la segunda mitad del siglo. Algunas de sus grandes óperas son: Los Maestros Cantores y Tristán e Isolda. Se trataba de óperas grandiosas, varias de ellas de más de cuatro horas de duración. Él no quería que sus obras se llamaran “óperas”, pues ésta es una palabra italiana, y prefería que se la llamara “drama wagneriano”. Las características del drama wagneriano son:

· Trata casi siempre de temas mitológicos y de leyendas antiguas.

· Utiliza el alemán como idioma.

· Consigue una íntima unión entre poesía, música y teatro.

· La orquesta es el elemento principal de estas óperas.

Una variante de la ópera sería la opereta. Podemos definirla como una obra escénica en la se combinan pasajes hablados con otros cantados, y sus temas solían ser alegres y humorísticos. Se diferencia por tanto de la ópera porque no es todo música de principio a fin, sino sólo algunas partes llevan música.

La opereta se cultivó principalmente en Francia con Jacques Offenbach, y en Austria con Johann Strauss.

Con el auge del nacionalismo en el siglo XIX surgieron óperas nacionales en varios países europeos que no eran los países de mayor tradición musical. Es decir, surgieron tipos de óperas fuera de Italia, Francia y Alemania. Así, en Rusia el nacionalismo tuvo una gran implantación, y se gestó una música nacionalista rusa tanto en música instrumental como en música vocal.

Algunos compositores importantes de ópera rusa en el siglo XIX fueron:

· Glinka.

· Mussorgsky: Boris Godunov.

· Tchaikovsky: Eugen Oneguin.

LA ZARZUELA ESPAÑOLA

En España también surgió una ópera nacionalista, pero más que la ópera sería la zarzuela lo que el público español prefería. La zarzuela tomó forma en la segunda mitad del siglo XIX, y había dos tipos: zarzuela grande y zarzuela chica.

Como indica su nombre, la zarzuela grande era una obra de larga duración, con las siguientes características:

· Tiene tres actos, alternando partes habladas con partes musicales.

· Trata de temas históricos españoles.

· Los coros tienen un gran protagonismo.

Puede considerarse a Francisco Asenjo Barbieri el principal compositor de zarzuela grande en el siglo XIX, y su obra más famosa El barberillo de Lavapiés.

Por su parte, el llamado género chico apareció a partir de 1880. Eran obras cortas, de aproximadamente una hora, de manera que había muchas funciones a lo largo del día (casi una representación por cada hora), a las cuales el público podía acudir por un precio muy asequible. El género chico en España tiene las siguientes características:

· Tiene un solo acto, alternando partes habladas con partes musicales.

· Es frecuente la presencia de ritmos y danzas españolas.

· Sus temas son sobre asuntos cotidianos, y sus personajes son gente sencilla.

Algunos compositores famosos del género chico español son: Federico Chueca, Tomás Bretón, Ruperto Chapí, y Jerónimo Jiménez.